Las creaciones gráficas de Goya constituyen el testimonio visual de un artista que se interroga sobre la condición humana y el devenir histórico, que es capaz de sintetizar en imágenes los dos niveles de la existencia: el trasmundo interior y el mundo de la realidad objetiva.

El ser humano es el único protagonista del arte de Goya. El artista insiste retóricamente en el acercamiento a los rasgos esenciales y cualidades interiores que se reflejan en el rostro, convertido éste en una metáfora de la conciencia retratada. El repertorio de rostros empleado por Goya remite a los textos clásicos de caracterización fisionómica, pero su representación trasciende la orientación estrictamente psicológica de dichos textos.

La exposición tiene como objetivo descontextualizar los rostros de los personajes goyescos eliminando cualquier elemento anecdótico o discurso narrativo. Aunque la clave de la caracterización del personaje se encuentra en sus actitudes y atributos, el rostro hace posible el conocimiento de la valoración subjetiva que Goya concedió a cada uno de sus personajes. Al dirigir la mirada del espectador hacia el rostro se pretende provocar en él un acto reflexivo sobre la condición humana. Desde esta perspectiva, la exposición, además de una muestra de imágenes de considerable expresividad y belleza formal, se concibe como un marco para la reflexión –entendiendo este concepto como el acto de pensar pero también como el efecto de reflejarse en el rostro ajeno–. No en vano el deseo de mostrar desnuda la conciencia por medio del rostro fue la más genuina preocupación del artista.

Tanto la selección de los fragmentos de imagen rescatados de su soporte gráfico original, como su tratamiento y la obtención del producto final se acometen desde presupuestos digitales. La creación de las obras a exponer consiste en la captura del rostro en detalle, su traslado a primer plano y su conversión en un retrato monumental sobre papel de gran gramaje. Cada uno de los 21 rostros seleccionados está soportado en papel de formato superior a 1.80 x 1.20 mts.
Los productos finales, dotados de extraordinaria fuerza expresiva, permiten una lectura muy sugerente de la obra gráfica de Goya. Los procedimientos digitales conceden a la obra de Goya un nuevo lenguaje de contemporaneidad, y simultáneamente confirman el carácter universal e intemporal de sus creaciones gráficas. La mayor novedad de la exposición es que nunca antes se había ofrecido la contemplación de los rostros goyescos desde un punto de vista tan próximo e impactante.

Después de itinerar por las ciudades rusas de San Petesburgo y Moscú, llega por primera vez a Latinoamérica una selección de videos y películas realizadas por artistas británicos y europeos entre los años 1999 y 2002, que continuará su viaje a Venezuela. En tres telones y dos monitores serán proyectadas las obras de creadores individuales, colectivos y pares que se reúnen bajo la curatoría de Mark Beasley & Colin Ledwith.

Según la Directora de Artes Visuales del British Council de Londres, Andrea Rose, “Electric Earth es una toma fotográfica o más bien, una serie de tomas fotográficas de cierta corriente en la actual producción fílmica británica. Las cintas seleccionadas por Mark Beasley y Colin Ledwith reflejan la manera en que artistas y productores han adoptado algunas de las preocupaciones de la cultura comercial –del video pop al documental– y las han transformado para crear un tipo de producción experimental y sutil, rápida, tensa y curiosamente escurridiza. Las películas y videos seleccionados para la exhibición no intentan disfrazar que se hallan difuminadas o que se deslizan entre disciplinas o intereses (el documental chocando con el video musical, el filme no lineal utilizando la pauta vertiginosa de cintas sobre jóvenes en patinetas); de hecho, hacen uso de elisión, cross-cutting y mezcla, como uno de sus modos de expresión más efectivo y descriptivo”.

“Los 15 participantes seleccionados para Electric Earth se han visto beneficiados por el extraordinario desarrollo y refinamiento de los programas de edición para computadora personal logrado en la última década, y han conseguido inventar un lenguaje cada vez más sofisticado para crear sus obras. Les ha permitido moverse con calma y familiaridad dentro y fuera de los mundos del video pop y los videos comerciales, las películas independientes, el cine comercial y los documentales para televisión, apropiándose de lo que quieren, resaltando partes, ensombreciendo otras, y utilizando la música y los sonidos tan libremente como manipulan la forma y la estructura”, continúa Andrea Rose. Los artistas y sus obras son:

Una cartera y una maleta hechas de papel sobre una mesa en medio de la Plaza de Armas de Santiago, Chile, con un cartel que dice “Solo mujeres, pida su deseo”, es receptáculo cual carta, de decenas de deseos de mujeres anónimas. Estos objetos viajan a San Antonio, Texas, Estados Unidos, y luego a Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, lugares en donde se repite la acción.

Registros audiovisuales de esta acción, junto a la presentación de ambos objetos –cartera y maleta en diferentes versiones- conforman esta obra, cuyo objetivo es rearticular y revivir las diferentes realidades, idiosincrasias, sueños, frustraciones y alegrías de las distintas mujeres participantes. “El deseo es propio del individuo a modo de sueño, añoranza o visión utópica de su vida. Las mujeres, genero que me atañe, viven en constante deseo o estereotipadamente se les plantea como género sentimental, romántico y soñador” afirma Paula Fuentes.

“La maleta se presenta como símbolo de un largo viaje, un tiempo indefinido, un no estar en casa, ella contiene lo indispensable, pero que en éste caso será receptáculo de lo que no se puede contener sino de lo que conlleva, El Deseo. Esta vez no llevará su información dentro, sino que fuera, en su piel de papel blanco, como tatuaje, un deseo indeleble, eterno en un material precario y frágil como el deseo. Y la cartera, cita lo femenino, también a nivel simbólico, y por que no, a nivel práctico. Es el objeto contenedor por primacía de éste género, pequeño, útil, que carga con el lenguaje cotidiano de objetos nimios y frágiles. La mujer que viaja y lleva sus pequeños tesoros en esa manufacturada bolsa, una carta, la fotografía de su hijo… la que se dispone a ser colgada en el hombro de un largo viaje, a un viaje al centro de la emotividad. Pondrá de manifiesto la mano, el pulso, la individualidad del sujeto, los mostrará y los contendrá como una arruga, un pliegue o estampado en un vestido”, finaliza Fuentes.

Las acciones fueron realizadas consecutivamente en las siguientes fechas: 8 de febrero 2004, Santiago, Chile - Paula Fuentes; 5 de marzo 2004, San Antonio Texas, EE.UU. - Victoria Suescum y 7 de abril 2004, Santa Cruz de la Sierra - Raquel Shwartz.

María Pía Serra se incorporó al mundo del arte lentamente, desde su formación profesional en el campo de la ingeniería. Inicialmente, su participación en certámenes de técnicas mixtas y grabado digital le significó reconocimientos, como ser seleccionada del Concurso de Grabado Marco A. Bontá el año 2001, hasta derivar e instalarse en la producción del video digital. En este campo artístico ha participado a través de exposiciones en el Goethe Institut y el MAC, donde ha expuesto desde el 2001 en las últimas versiones de la Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago y el año pasado con la muestra individual “Cuerpo y Verbo”. Esta última, la primera de una trilogía que comprende también a “Imágenes del ciego (lo oculto y lo manifiesto)”, proyección audiovisual en loop, formato díptico -en blanco y negro- sobre el golpe militar de 1973.

A partir de la figura de Tiresias, protagonista de la “Metamorfosis” de Ovidio, y del poema “Tierra Baldía” de T.S. Eliot, la artista elabora un metafórico y muy íntimo relato audiovisual, acerca de la imposibilidad del olvido y la persistencia de la conciencia. Tiresias, personaje emblemático de la tragedia griega por su capacidad adivinatoria, a pesar de su ceguera, y por cambiar de género sexual cada siete años, rige ambas miradas presentadas, como manifestaciones desdobladas de ausencia-presencia, lo oculto y lo manifiesto, como eco del devenir histórico.

En cada uno de los dispositivos audiovisuales -cuya duración aprox. es de 4 minutos cada uno- Tiresias es presentado no sólo como espectador, sino también como protagonista de las imágenes y textos de Serra, de sintaxis poética libre. De este modo, el recorrido de esta obra busca quebrar, en la oscilación, la inscripción de un imaginario de dos ejes y una sola faz, mediante la desestabilización de la operación audiovisual y la apertura de los relatos. Se trata así de experimentar con la palabra escrita en el campo audiovisual, mediante la dualidad estructural y el juego textual; en el contexto de abrir, en palabras de Barthes, “su lectura a la polisemia, a la constitución del significado en la travesía, a la lógica metonímica”.

108 Puzzlespiele surgió del registro fotográfico realizado en la ciudad de Düsseldorf en tres sitios en proceso de demolición. La conformación de este registro sirvió de base para la realización de 108 puzzles que fueron enviados a Chile a 108 mujeres procedentes de diversos ámbitos sociales. Ellas tuvieron como tarea armar y, posteriormente, montar estos puzzles como parte de una instalación organizada a partir de tres figuras irregulares. Por medio de estas figuras se reconstruye una imagen fragmentada de estos tres sitios. De forma paralela, tanto los sobres de envío como las cajas de empaque de cada puzzle son expuestos en dos muros de la sala, como una forma de constatar - en parte- las fases que dieron forma a este proyecto.

Finalmente se exhibe en el muro norte de la sala, una secuencia fílmica extraída del documental Als der Krieg zu Ende ging (Cuando la guerra llegó a su fin), en blanco y negro, en la que se muestra el trabajo de reconstrucción, posterior a la Segunda Guerra Mundial, de las ciudades alemanas emprendido por grupos de mujeres.

Rodrigo Bruna asume la reconstrucción del escombro al interior de esta obra como un acto paradójico que se sustenta por una parte en la idea de juego (puzzle), en tanto instancia que pone en evidencia el ingenio y paciencia de un grupo de mujeres, y por otro lado, en la idea de tragedia (secuencia fílmica), concepto que se manifiesta a través del tesón y esfuerzo experimentado por un grupo de mujeres tras consumada una catástrofe.

Rodrigo Bruna con este tercer proyecto consolida una nueva línea de trabajo que se caracteriza por la realización a distancia (el autor reside actualmente en Alemania). Anteriormente fueron los proyectos Kastrophe I y II, exhibidos simultáneamente en los Museos de Arte Contemporáneo de Santiago y Valdivia. La coordinación y ejecución de estos estuvo a cargo de la artista y productora visual Rosa Miranda, quien con el actual proyecto consolida un trabajo de cooperación abierto junto al artista, convirtiéndose de esta forma en el agente dinámico que posibilitó la materialización de este proyecto.

El objeto y su inserción en el lenguaje de las artes visuales es tema para esta joven artista, quien viene problematizando esta área de producción desde el año 2001. Después de una revisión y análisis a la historia del arte, Ríos identifica una crisis del empleo objetual en el arte, que la lleva a establecer en su obra la búsqueda de una neutralidad perdida.

La instalación “Ip (ap)” -cuyo título alude al ejercicio de repetición y búsqueda continua de significados: “acción posible sin posibilidad”- presenta en una sala oscurecida y pintada con patrones dorados, estantes donde son ubicados crípticos objetos seleccionados por ella: bolsas trasparentes dentro de otras bolsas trasparentes, rollos de plástico, cajas de cartón blanco, bandejas de plástico, contenedores traslucidos, blancos o negros, que revelan un complejo lenguaje conceptual.

Los objetos son presentados como metáforas del lenguaje artístico, al contener capas o procesos de hacer contenido. Los pliegues repliegan campos vacíos, en donde ha desaparecido la información, siendo encomendada al espectador la acción de descifrar y designar sentido.

Forma parte de esta instalación la intervención que Diego Córdova realiza al espacio expositivo en respuesta a la obra de Ríos. Como símbolo de movimiento constante, Córdova dispone un rollo de algodón blanco sintético, de gran formato, que cae hacia el estante de Ríos.

María José Ríos expuso el año pasado las siguientes muestras: “Ambito-s (un circuito)”, Galería Arte Espacio y “Arte – Objeto”, colectiva realizada en Sala de Arte de la Fundación Telefónica.