HERMOSILLA, EL ARTISTA VANGUARDISTA, ABSTRACTO Y GESTUAL, grabados del artista chileno Carlos Hermosilla, precursor de esta disciplina en nuestro país, en el contexto de actividades que celebran el centenario de su nacimiento. Organiza el Fondo de Arte de la Universidad de Playa Ancha.

INVITADOS INTERNACIONALES:
MARTIRIO, instalación interactiva de la artista boliviana, Alejandra Dorado.
MAKING THE ENEMY, video-instalación del artista chileno residente en Suecia, Alexis Oyola.
ÉDUA SZUCS, CARICATURISTA HÚNGARA. Ironía, política y humor son constantes en las caricaturas de esta artista contemporánea.
LA MUJER DE LAS MIL VOCES, exposición de pinturas de la artista canadiense Dorrit Yacoby (1952).

INVITADOS NACIONALES:
XIMENA COUSIÑO: PEQUEÑOS MODELOS EN GRAN FORMATO, dibujos de esta artista chilena.
@DIOS.ES: MEMORIAL DEL ALTO BÍO-BÍO, instalación fotográfica referente a la construcción de la represa de Pangue y Ralco, en el Alto del Bío-bío, de Juan Meza – Lopehandía.
PINTURA NEGRA, instalación del artista chileno Francisco Sanfuentes.
EN BUSCA DEL TIEMPO PERDIDO, esculturas del Director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad ARCIS, Fernando Undurraga. Proyecto FONDART.
IMÁGENES RECONSTITUIDAS, pinturas, obras gráficas y esculturas del artista chileno, Rodrigo Zamora.
PUMA - PICTURES OF SHOES, exposición colectiva de fotografías de autor sobre la línea de zapatillas Puma. Participan Jordi Castell, María Gracia Subercaseaux, Cristián Soto y Renato del Valle, entre otros.

El Fondo de Arte de la Universidad de Playa Ancha, a propósito del Centenario del nacimiento del grabador Carlos Hermosilla, ha preparado un programa de exposiciones en varias instituciones, entre ellas, Hermosilla, el artista vanguardista, abstracto y gestual. Esta será exhibida en el MAC – Espacio Quinta Normal hasta el 13 de noviembre 2005.

Carlos Hermosilla Álvarez nació en Valparaíso el 18 de octubre de 1905, al interior de una familia modesta. Su madre le inculcó pasión por el arte y su padre -obrero litográfico- le enseñó el oficio de grabar. Este vínculo lo marcaría definitivamente, inspirando en él una auténtica vocación por crear a partir de su visión de mundo: “Nunca he pretendido hacer un arte social. Simplemente estoy reflejando mi mundo y mi vida. Si hago una cara de obrero o de niño de pueblo, me sale sola. He vivido en barrios populares. Estuve en Concepción y Lota. Más que un compromiso, hay una forma de lealtad con mi clase”, indicaba Hermosilla.

Se reconoce en Carlos Hermosilla una profunda vocación formadora, que lo llevó a ocupar el cargo de profesor de Dibujo y Grabado en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, donde en 1939 fundó el taller de grabado, a partir del cual surge el Grupo de Grabadores de Viña del Mar. Fueron 34 años de enseñanza en los cuales, su acción pionera, formó maestros como Medardo Espinosa, Ciro Silva, Sergio Rojas, Lilo Salberg, Ginés Contreras y Roberlindo Villegas, entre muchos otros.

Artista de gran destreza en técnicas calcográficas -tales como aguafuerte, aguatinta o puntiseca-, destacó por sus impresiones de relieve (xilografías y linograbados), litografías y aguafuertes impresas tipográficamente, así como en el dibujo y la pintura.

El Fondo de Arte de la Universidad de Playa Ancha -dirigido por Myriam Parra- posee la colección más completa de sus obras, junto a un valioso archivo hemerográfico, fotográfico y la biblioteca que pertenecía al artista. Concentrando sus esfuerzos para hacer visible su obra y rendir un merecido homenaje a este gran hombre y su obra, programaron una serie de exposiciones en diversos espacios de difusión de Santiago y en instituciones ubicadas en las ciudades donde vivió, creó y enseñó. El objetivo de este recorrido es acercar a la ciudadanía al legado de un artista trascendente en la historia del arte del país.

Hasta el 13 de noviembre 2005 se exhibirá la instalación titulada Martirio, de la artista boliviana, Alejandra Dorado, en el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464). Ella está compuesta por fotografías y collages digitales, un texto de Brisset y sellos de goma para que la gente interactúe a través de la palabra-imagen.

Alejandra Dorado de Cochabamba, Bolivia, estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Arcis de Santiago. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Chile y el extranjero, entre ellas: 2000 Línea de Borde, colectiva con artistas chilenas, Centro Simón I. Patiño de Cochabamaba, 2001 Las Alas de Lucrecia, Unión de Escritores y Artistas de Cuba, La Habana.

Para elaborar la instalación Martirio, dividió el proceso de obra en cuatro etapas. Durante la primera, fotografió personas -de diferentes estratos sociales y edades-, a cuerpo entero, mostrando el ombligo. Estas fotos fueron digitalizadas y con ellas armó collages digitales impresos sobre papel bond de gran formato (casi 2 metros de altura). En la segunda fase se incorporó un fragmento de un texto de Brisset (1890 aprox.) rescatado por Michel Foucault en su obra “Siete sentencias sobre el séptimo ángel”, el cual irá a ras del suelo, debajo de las impresiones, rodeando la sala. El fragmento del texto seleccionado es el siguiente: “El demonio = el dedo mío no. El demonio presume de dos dedos-dedos de dos-, dado el dedo de Dios, su sexo… Invertida, la palabra demonio da: la monda = una mondadura = un mundo de altura. A lo alto del mundo = yo empino el mundo. El demonio se convierte así en señor del mundo en virtud de su perfección sexual… En su homilía él se guiaba por su ombligo: su ombliguía. La homilía es la mira del maligno. De un mar igneo, ven tú, el más digno: el maligno es una criatura de mar, de un mar tibio. Ahí salta y sortea el martirio. Con mi salto al mar me tiro.”

La tercera fase consta de la producción de una fotografía impresa sobre material transparente, con una caja de luz (80 x 70 cm.) que va ubicada horizontal en el suelo, casi al medio de la sala. Sobre ella cuelgan del techo figurillas humanas de cartón. Finalmente, completan la obra ocho sellos de goma con las letras que forman la palabra “martirio”, las cuales podrán ser usadas por el público para imprimir sobre las impresiones, posibles palabras que se formen con estas letras.

WEB: www.alejandradorado.org

Desde el 12 de octubre podrá visitarse en el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464), la video-instalación Making the enemy (Fabricando al Enemigo) del artista chileno residente en Suecia, Alexis Oyola. En ella se presentarán 2 videos de corta duración, Fama/Odio y Fabricando al enemigo.

Making de Enemy fue elaborada por Alexis Oyola (1971) posterior al ataque en Nueva York de septiembre 11/2001 y del inicio de la Guerra en Irak; su primera presentación la realizó en Suecia el año 2003. Fue entonces que el artista y curador suizo, Johan Lundh, escribió al respecto: “veo el trabajo de Alexis como una búsqueda existencial que al mismo tiempo no quiere aceptar el mundo como éste se nos entrega… es posible que la necesidad que tiene Alexis de crear y representar en lo íntimo de su personalidad, esté enraizada en sus propias experiencias, como también en las de su familia”. Esto refiriéndose a su arribo a Suecia como asilados políticos el año 1974.

La instalación en sí pone en tensión los temas de territorialidad, nacionalismo, identidad y desarraigo, proponiendo abiertamente una crítica a las políticas migratorias de los países europeos y Estados Unidos. Dos videos conforman esta muestra, por un lado Fabricando al enemigo (DVD, 7 minutos, audio) que será proyectada sobre un muro de la sala, y Fama/Odio (DVD doble, 3 + 3 minutos), compuesto por 2 videos cortos que se proyectarán sobre los muros laterales, uno frente al otro. Mientras el primero nos presenta imágenes que delatan la actual problemática respecto a los temas antes señalados, el segundo presenta en cámara lenta a un grupo de alumnos adolescentes de séptimo grado, silenciosos, observándose entre sí y al espectador. Algunas de las preguntas que plantea esta video-instalación son: “¿Quién es el victimario y quién la victima? ¿Por qué calla el que observa? ¿Como afecta esto su futuro?”

Alexis Oyola (1971) estudió Arte y Naturaleza en Nyköping’s FHS y en la Escuela de Escultura de Norrkoping. Ha expuesto desde 1994 colectiva e individualmente en Chile, Noruega y Suecia.

Ironía, política y humor son constantes en las caricaturas de esta artista contemporánea de Hungría, quien exhibirá en el MAC – Espacio Quinta Normal, 40 dibujos de mediano formato, con el apoyo de la Embajada de Hungría en Chile. Hasta el 13 de noviembre.

Según el historiador del arte Loránd Bereczky, Édua Szücs pertenece a los artistas gráficos de Hungría, que cultivan la caricatura según su fe y vocación. Su facilidad para dibujar es deslumbrante y su concepción para crear situaciones brillante. Como sus grandes antecesores, ella también piensa en la unidad que se expresa en lo visual y conceptual. Para ella la línea es un elemento pictórico, que más allá de la belleza de los detalles forma una composición que refleja la experiencia de toda una vida. Su lápiz nunca ha sido guiado por el humor cotidiano sino por la elevada motivación agridulce de molestar o mejorar al hombre. Su exigente gráfica, su seguridad para componer y su aptitud para dibujar, junto con el magnífico mensaje del contenido, hacen que sus obras se conviertan en creaciones autónomas”.

Szücs, en los inicios de su carrera artística, trabajó en la Fábrica de Dibujos Animados de Kecskemét, Hungría, donde formó parte de los equipos de dibujantes de películas animadas, distribuidas internacionalmente como: “Mátyás király meséi” (Los cuentos del rey Matías), "Bubó doktor" (Dr. Bubó) y las series de “Magyar népmesék” (Cuentos populares de Hungría). En 1985 emigró a Budapest donde comenzó su trabajo freelance realizando varios trabajos de ilustración y dibujo. Durante un año fue columnista de la revista húngara “Praktika” y actualmente colaboradora en una docena de revistas, entre ellas “Haszon”, la revista infantil “Dörmögo Dömötör”, las revistas de humor “Kurir-Elefánt” y “Nok Lapja” (Revista de las Mujeres), donde por décimo año sus dibujos ilustran los artículos del famoso psicólogo húngaro Tamás Vekerdy. Ha ilustrado varios libros, diarios y afiches de todo tipo. Cabe destacar su presencia en el diario “Népszabadság” -el más importante de Hungría- y en la famosa revista de medicina “The Medical Tribune”.

Édua Szücs (Szeged, 1959). Licenciada en Biología y Arte de la Escuela Superior de Pedagogía Juhász Gyula, de la ciudad de Szeged. Ha exhibido individualmente desde 1989, siendo algunas de sus últimas muestras: 2004 Nyíregyháza, en diferentes ciudades de Croacia; Iglesia Evangélica de Kelenföld, Budapest. 2005 Galería Hidegkúti, Budapest; Escuela Superior Politécnica, Budapest, y Centro de Congresos Ferenc Liszt, Sopron. Sus recopilaciones de dibujos editados son: 1997 “Édua karikatúrák” (Las caricaturas de Édua); 2001 “Édua karikatúrák 2” (Las caricaturas de Édua 2); y 2003 “Névjegy” (Tarjeta de Visita), cuya editora fue Ábra Kkt. Premios obtenidos: Premio especial de “Szféra” (1996), Premio especial de “Karikatórium” (1997), Premio del Fondo de la Cultura Húngara (1998), Premio especial de “Szféra” (1999), Primer lugar “Premio Mujeres por la Unión” (2003).

Dorrit Yacobi, artista canadiense-israelí, exhibirá bajo el título La mujer de las mil voces, una serie de pinturas, dibujos, poemas y botiquines, que en su conjunto despliegan una poética existencial desgarradora desde la esfera femenina. Desde el 12 de octubre en MAC- Espacio Quinta Normal.

La propuesta de esta artista consiste en el despliegue (a través de la imagen y la palabra) de una poética que busca dar cuenta de lo femenino a través de sus relaciones con la maternidad, la familia y las tradiciones que se van depositando en las mujeres a través de los tiempos. Se exhibirán 10 pinturas, 9 botiquines, 3 poemas escritos sobre género y 20 dibujos de pequeño formato.

Yacoby “se refugia en su arte como en una concha, como un refugiado en un centro de concentración; se entrega a una creación que refleja a su persona (a su retrato metafísico) como una alegoría de la vida” (T. Katz-Freiman).

La mujer de las mil almas
La mujer de los océanos de lágrimas
cuyos huesos están huecos
sus mil almas corren de un lado a otro exclamando
Nuestros Hijos, Nuestros Hijos.
Echaron sal en su corazón para preservar el dolor
Echaron sal para cegar sus ojos y hacer sus lágrimas abundantes
y saladas
La cubrieron con mantos de sal para quemar las heridas y
silenciar su voz amordazada por la sal

Si camina sobre el agua
podrá rescatar a sus hijos que se ahogan

Dorrit Yacoby (1952). Estudió psicología y arte en Israel. Desde 1986 ha expuesto colectiva e individualmente en Israel, Canadá, Alemania, Estados Unidos, México, Argentina y China, y sus obras se encuentran en distintas colecciones europeas, asiáticas y americanas. Entre los Premios obtenidos destacan: 1995 Beca de Pasantía, The Canadian Council of the Arts y 2004 Premio de Creación, Ministerio de Educación y Cultura de Israel.

Ximena Cousiño exhibe en esta exposición una serie de alrededor de 15 dibujos figurativos en gran formato, que proponen una analogía entre el dibujo y la infancia, en tanto expresiones directas y espontáneas de percibir el mundo. Desde el 12 de Octubre 2005 en el MAC – Espacio Quinta Normal.

“Me interesa rescatar el dibujo como registro de aproximación primario al modelo y como imagen que transparenta con total honestidad, la manualidad de su factura. Según esta apreciación formal, me es posible hacer una analogía entre el dibujo y la infancia, en tanto ambos representan la expresión directa y una espontánea manera de percibir el mundo. Este rescate del dibujo que plantea mi proyecto, implicó trabajar con modelos en vivo. Recurriendo al dibujo y al medio más elemental del dibujo -el carbón- pretendo que la imagen lleve en sí misma la carga subjetiva del ejecutante y su temporalidad, opuesta –en teoría- a la objetividad e instantaneidad de la fotografía”, afirma Cousiño.

Rescatar y poner en valor el dibujo como género artístico es uno de los intereses de la artista, al considerarlo “la expresión más sincera de nuestro mundo interno y de nuestra manera de percibir el mundo”. Por otro lado, cabe destacar también el gran formato de las obras que busca alterar la percepción del espectador y extrapolar las imágenes del registro convencional, dotándolas de solemnidad y misterio. En ellas, siempre al centro, ubica las figuras de pie o sentadas de niños y niñas de entre ocho y doce años, disfrazados y recortados contra un fondo sin mayores incidentes.

Sobre esta exposición, escribe Claudia Campaña: “Ximena Cousiño aquí persevera en una propuesta iconográficamente figurativa (en años anteriores su temática fue la figura femenina, la maternidad). Si con anterioridad se dedicó a explorar los problemas cromáticos, hoy prefiere investigar el ámbito gráfico. Y si bien insiste en la recuperación del trabajo manual, ella señala que, por primera vez, se ayuda de procesos mecánicos (fotografía). Por último, hay que acotar que en esta galería de personajes infantiles reconocemos un comentario autobiográfico, ella es madre de seis niños, lo que obviamente significa que sus días están marcados por la presencia de sus hijos y la de sus muchos amigos. Ximena Cousiño ofrece al espectador un retazo de su entorno cotidiano en un contexto gráfico.”

@.Dios.es: Memorial del Alto Bío-bío del chileno Juan Meza–Lopehandía, es una instalación fotográfica referente a la construcción de la represa de Pangue y Ralco, en el Alto del Bío-bío. A partir de fotografías realizadas en el Alto del Bío-bío entre 1991 y el 2004, esto es antes y durante la construcción de la represa de Pangue y Ralco, se constituye esta instalación que se exhibirá hasta el 13 de noviembre 2005, en el MAC – Espacio Quinta Normal. Esta muestra cuenta con el apoyo de Fundación Andes.

“Esta muestra da cuenta de lo que había en los terrenos que fueron inundados por las represas de Pangue y Ralco, en un llamado al espectador a tener conciencia de la experiencia depredadora que significa el progreso como lo entendemos en Occidente” afirma Meza-Lopehandía. Con ella el autor constituye un memorial a la pérdida y una reflexión medio-ambientalista respecto al futuro de nuestros recursos naturales, al exhibir el estado primigenio de la zona y el impacto de la modernización sobre el paisaje y la comunidad pehuenche en el área. Esto con el fin de hacer un llamado a la responsabilidad ciudadana respecto al uso de la energía y contribuir a crear conciencia respecto al tema del desarrollo-sustentable.

“Visité por primera vez el valle en el invierno de 1991, cuando recién se había abierto una ruta de penetración casi intransitable. Luego el verano de los años 92 y 93 lo recorrí íntegro, cuando era un espacio privilegiado para el balseo. Posteriormente la intensa oposición de los ambientalistas anti-sistémicos hizo difícil continuar el trabajo de registro. Ya pasadas las turbulencias, una beca de la Fundación Andes en el 2000 me permitió volver una semana al mes durante todo un año, para seguir el ritmo de las estaciones en la naturaleza y el trabajo incesante de la construcción de las represas. Posteriormente he visitado el valle, una a tres veces, cada año… En el desarrollo de este proyecto, que contó con el apoyo de la Fundación Andes, fui cobrando creciente conciencia de la responsabilidad política del artista y del que podía ser nuestro peculiar aporte en la formación de la conciencia colectiva: me correspondía elaborar una respuesta personal a los temas valóricos que recorren transversalmente la sociedad. Este discurso podía validarse por su cariz autónomo respecto de las posiciones partidistas, y por apelar a otros horizontes distintos a lo racional. Esto se manifiesta en las imágenes así como también en el montaje mismo” explica el artista.

Pintura Negra, instalación del artista chileno Francisco Sanfuentes, se presentará en el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464) hasta mediados de noviembre 2005. En ella se presenta el exceso como operación de repetición y acumulación inútil de materiales en estado tosco: planchas de zinc, cables, ampolletas y bocinas de parlantes.

Pintura Negra es un proyecto de instalación que como objetivo general contempla integrar en la instalación visualidad y sonido, ambos entendidos como materialidades articulables en el espacio, capaces de generar una unidad de lenguaje. También considera trabajar materialmente la economía de medios según la poética de lo tosco, como relación negativa a la sobre-estetización de la producción artística, a partir de la noción de “pintura negra”. Y finalmente, plantear su correlato con el concepto crítico de negación (Theodor Adorno, “Teoría Estética”), explorando este último como acontecimiento material de la obra.

Descripción de la obra:

Esta contempla la instalación de 25 planchas de zinc ondulado de 2.50 mts. x 1.00 mts. las que han sido sometidas a un proceso de mancha y oxidación mediante ácido nítrico y cloro. “La operación de manchado, aunque de naturaleza azarosa, es un gesto mecánico idéntico en cada caso para afirmar la expresividad material en la repetición implacable de lo mismo”, afirma Sanfuentes. Cada plancha posteriormente fue sometida a un proceso de entintado y limpieza, como una suerte de revelado del proceso de corrosión. Estas serán instaladas en grupos de 15 y 5 unidades, sostenidas en estructuras de perfiles de fierro, dispuestas en desplazamientos diagonales desde el muro para producir un dislocamiento de aprox. 30 grados. Cada plancha estará iluminada por un tubo fluorescente de 10w (luz fría) empotrado en su parte superior, iluminando la borradura de la mancha. La luz fría en este sentido, opera como signo de negación.

El sonido se trabajará con 50 bocinas de parlantes de 20w que serán dispuestos sobre el piso, dejando al descubierto todo el cableado eléctrico y de audio -trabajado como exceso-, el cual caerá desde la parte superior de las planchas para formar en el piso una suerte de charco de cables y parlantes. Estos amplificarán el zumbido constante obtenido in-situ de la interferencia provocada por la intersección de los conductores eléctricos y de audio, exponiéndose como significante expresivo básico o signo de negación.

Con esta muestra Fernando Undurraga –director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad ARCIS- vuelve a exponer después de siete años de ausencia en los circuitos nacionales. En el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464) presentará hasta mediados de noviembre 2005, un proyecto escultórico apoyado por FONDART.

Reformular el género de la escultura -incluida su previa y personal concepción escultórica- por medio de su expansión hacia el espacio arquitectónico es el objetivo de esta obra que será emplazada en el Hall de entrada del MAC. En síntesis, Undurraga afirma querer “…desarrollar una obra que oscile tensamente entre diversos registros visuales y que de paso, active ciertas resonancias nemotécnicas dependientes del lenguaje urbanístico, arquitectónico”.

Esto considerando que dentro del campo abierto por la estética y el pensamiento post minimalista, el género de la arquitectura ha ido transformándose en una expresión decisiva en lo concerniente a las posibilidades de experimentación con los lenguajes tradicionales de la pintura, la escultura y la gráfica. La arquitectura, en este sentido, trabaja como una matriz que ha ofrecido toda una variada gama de posibilidades formales y lingüísticas para un trabajo espacial. Respecto a ello, Undurraga se interesa por resaltar una mirada des-constructiva en relación al espacio clásico y tradicional, otorgándole al formalismo riguroso del minimal una cierta intensidad, una apertura fenomenológica orientada a explicitar aspectos visuales o formales más sensibles que meramente ideáticos, trabajando con elementos más vivenciales la relación obra-espectador.

La obra consta de tres cuerpos emplazados en puntos geográficos (Sur, Poniente y Norte), ubicados en el hall central del Museo de Arte Contemporáneo. Los cuerpos Sur y Norte se conforman cada uno de un tablero de 200 x 150 cm., cuya estructura esta compuesta de seis pliegues ortogonales a lo alto del tablero (biombo). El tablero Sur es sostenido por un basamento de hormigón armado, fraccionado. El tablero Norte es sostenido por un basamento de piedras canteadas en su estado natural. El cuerpo Poniente, se conforma por un sistema de panel escenográfico que recoge y ensambla a escala natural diferentes tipos de fachadas arquitectónicas neoclásicas, que se inscriben y desplazan desde su ubicación geográfica al interior y exterior de un relieve en la arquitectura definida al interior del Museo.

Fernando Undurraga (1944). Licenciado en Bellas Artes de la Universidad de Chile, es director desde 1991 de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad ARCIS, donde también es profesor del Taller Forma y Espacio. Selección de exposiciones: 1989 Galería Carmen Waugh Casa Larga, Santiago; 1998 Trienal Internacional de Escultura, Osaka.

Hasta el 13 de noviembre del 2005 se exhibirá en el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464) la exposición individual Imágenes Reconstituidas del artista egresado de la Universidad de Chile, Rodrigo Zamora. Esta incluye obras gráficas, pinturas y esculturas realizadas en los últimos tres años.

La concepción de Imágenes Reconstituidas se origina a partir de una reflexión sobre el carácter fragmentario de la memoria cotidiana y el carácter subjetivo de los recuerdos con respecto a un objeto o espacio físico. Esta muestra se plantea visualmente como una metáfora de lo anterior a través de los procesos de elaboración y resultados finales, constituyendo una serie de obras que desconstruyen el modelo, para luego reconstruirlo de forma subjetiva, errónea o antojadiza.

“Mi trabajo proviene de la fotografía como medio de registro inicial para el posterior desarrollo de obras de carácter gráfico y principalmente pictórico. Por otro lado, todas las obras presentes en esta muestra se refieren a la ciudad, particularmente a Santiago, Valparaíso y Londres; específicamente a elementos del mobiliario público y paisajes urbanos. Estas se presentan como imágenes recurrentes, aludiendo a la memoria colectiva de los espectadores como habitantes, peatones y turistas, recreando el espacio público como lugar mnémico y abordando la ciudad como un ente universal desde la experiencia particular”, afirma el artista.

COMPONEN SU EXPOSICIÓN:
Serie Imágenes Reconstituidas (2003-2005). 15 Collages digitales (impresión Lambda en papel fotográfico color, montadas sobre foamboard)
Rubber band map (2003). Instalación al muro de 52 piezas de 9 x 5 cm. realizadas de cartón, mapa y bandas elásticas
Serie Ventana (2004-2005). 9 pinturas realizadas en acuarela sobre papel
Serie Objeto Público (2004-2005). 8 pinturas realizadas en acrílico sobre papel
Prototipo (2003-2005). 2 esculturas objetuales realizadas en cartón, con perfiles de acero esmaltado.
Prototipo Público (2005). Escultura objetual realizada con cartón y tubos de PVC, para el espacio H10 de Valparaíso, donde fue presentada durante el mes de Julio 2005.

Rodrigo Zamora (1970). Entre sus últimas exposiciones cabe destacar las muestras individuales: 2005 Prototipo Público, Galería H10, Valparaíso. 2004 Objeto Público, Goethe Institut de Santiago. 2000 Árbol, Galería Nemesio Antúnez del Metro, Santiago. 1999 Fisura, Galería BECH del Banco del Estado, Santiago. 1996 Herida del Ojo, Posada del Corregidor, Santiago 1996.

WEB: www.zamora.cl

Desde el 12 de octubre del 2005, en el MAC – Espacio Quinta Normal (Matucana 464), podrán apreciarse fotografías de autor de 9 artistas chilenos –Jordi Castell y María Gracia Subercaseaux, entre otros-, encargadas por la marca Puma para representar su carácter de vanguardia, diseño y tendencia.

Para reflejar el espíritu innovador de su marca, Puma convocó a nueve destacados fotógrafos chilenos: Jordi Castell, María Gracia Subercaseaux, Mario Salazar, Cristian Soto, Gabriel Schkolnick, Juan Pablo Montalva, Renato del Valle, E:K e Ivan Petrowich, a realizar un trabajo autoral sobre el diseño y estilo de las zapatillas Puma. Cada fotógrafo escogió tres modelos para realizar sus fotografías en formato de gigantografía (180 x 120 cm.) para esta exposición, anteriormente lanzadas durante el mes de junio en el Centro de Eventos Pablo Johnson. Cabe destacar que durante este evento, se subastaron las copias originales de las obras en beneficio de la UNICEF.

PUMA®, fundada en 1948 en Herzogenaurach (Alemania), es una marca deportiva global que consigue combinar deporte, estilo de vida y moda, gracias a la innovación técnica y el diseño revolucionario, distribuyéndose en más de 80 países.