Geometrías inestables, exposición que presenta el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, incluye un grupo poco usual de pinturas, gráfica, esculturas y relieves, realizados por artistas de la época de la posguerra provenientes en su mayoría de Europa, Japón, Estados Unidos y América Latina, que buscaban ofrecer una renovadora interpretación del abstraccionismo de las primeras décadas del siglo XX.

Las obras de la muestra integran la geometría dentro de construcciones que activan las habilidades perceptuales del espectador, desestabilizando las relaciones supuestas entre líneas, planos, color, forma, luz y sombra. De este modo, el espectador se encontrará con un dinámico juego de los elementos geométricos, el cual evoca un mundo contemporáneo en continuo flujo.

Esta revisión del acervo del Museo Tamayo estará abierta al público del 28 de septiembre de 2006 al 28 de enero de 2007, junto con las otras dos lecturas de la colección permanente Los confines de la pintura y Arte y cuerpo. Por otro lado, Geometrías inestables dialoga con exposiciones presentadas anteriormente en el museo, en las cuales se ha puesto énfasis en el uso de la abstracción geométrica por artistas que trabajaron en América Latina en el siglo XX. Tal es el caso de Arte abstracto del Río de la Plata. 1935-1955. Buenos Aires y Montevideo (2002); Cuestionando la línea. Gego. 1955 – 1990. Una selección (2002-2003); Cuasi-corpus: Arte concreto y neoconcreto de Brasil (2003), y Mira Schendel. Continuum amorfo (2004).

Tobias Ostrander y Paola Santoscoy, curador de arte contemporáneo y curadora asociada del Museo Tamayo, respectivamente, seleccionaron las 31 piezas que componen Geometrías inestables, la cual incluye trabajos de Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Manuel Felguérez, Julio Le Parc y Victor Vasarely, entre otros.

Ostrander indica que la mayoría de las piezas fueron producidas durante las décadas de los 60 y 70 dentro de los contextos culturales de Europa y América Latina. Agrega que los artistas pusieron énfasis en la percepción y la participación sensorial del espectador, por lo que el movimiento juega un papel relevante en los trabajos presentados.

En busca de nuevos lenguajes visuales

Los artistas de la posguerra buscaban ofrecer una nueva interpretación de los lenguajes visuales abstractos, desarrollados durante el periodo anterior a la guerra por artistas asociados con los movimientos estéticos del constructivismo, neoplasticismo y la Bauhaus. Estas corrientes artísticas aludían a las investigaciones de Kasimir Malevich (1878-1935), Piet Mondrian (1872-1944) y Josef Albers (1888-1976). A partir de estas fuentes, los artistas de la segunda mitad del siglo XX incorporaron intereses precisos en lo que se refiere a la universalidad de la forma, la objetividad y las prácticas interdisciplinarias.

Asimismo, las nuevas exploraciones desequilibraron la posición cada vez más dogmática de las ideas modernistas de la preguerra, las cuales establecían márgenes muy estrechos para la práctica de la pintura, por ejemplo. Los artistas de la posguerra profundizaron en el análisis de los preceptos del abstraccionismo, lo que condujo a lecturas alternadas y nuevas significaciones para el uso de formas geométricas.

Las piezas de la exposición reflejan el mundo visual cambiante en el cual fueron producidas. Hay múltiples obras que hacen referencia a innovaciones específicas hechas durante los años 60 y 70 en el diseño gráfico, la arquitectura, los materiales industriales, la naciente cibernética, la fenomenología y la integración de las artes en un mundo cada vez más comercializado y globalizado.

Los creadores que se exhiben en esta revisión, puntualiza Ostrander, se distinguieron de la generación previa por su énfasis en la percepción y en la participación sensorial directa del espectador. Mientras en la preguerra se buscaron composiciones equilibradas, armoniosas, utilizando elementos geométricos -obras que con frecuencia abordaban aspiraciones metafísicas, así como agendas sociales utópicas-, los artistas de Geometrías... emplearon formas abstractas simplificadas a fin de provocar nuevas sensaciones mediante el movimiento.

Movimiento mecánico, óptico y corporal

En las obras que integran la muestra, el movimiento se evoca de distintas maneras: mecánica, óptica y corporalmente. Por ejemplo, en la obra cinética de Marta Boto, Plus Helio Lumineux (1969), el movimiento es producido por un motor con luz artificial proyectándose sobre formas rotatorias de espejo. Un uso similar del reflejo de la luz es evidente en la pieza en blanco y negro Relieve 27 (1970) de Julio Le Parc.

La luz y la sombra se ven activadas por la pieza suspendida de Rogelio Polesello Sin título (1975), con su superficie acrílica transparente que proyecta un patrón luminoso a lo largo de la pared. En la pintura de Julian Stanczak Aloft See Through III (1973), el movimiento óptico se crea al formar capas entre los planos angulares compuestos de puntos pintados.

Una complejidad visual similar se revela en las dos obras de Yaacov Agam, Sin título (1975) y Simple (1978); ambas yuxtaponen dos composiciones geométricas en particular en una estructura plegable en relieve. La pieza vibrante Ceti Lum (1966-1973) de Victor Vasarely crea una composición pulsante a través de la formación de patrones en paralelogramas alternados (polígonos de cuatro lados).

El movimiento físico del cuerpo se activa en 28 placas ubicadas en dos formas no convencionales (1966-2005) de David Lamelas, en donde se motiva al espectador a circular por las distintas placas metálicas cuadradas colocadas en el piso. La gran construcción de Gerardo Rueda, Casares (1973), aborda directamente la escala del cuerpo del espectador, a medida que uno avanza frente a sus grandes planos blancos en desplazamiento.

Propuesta de montaje

El diseño de esta exhibición dialoga de manera directa con las obras presentadas, a través del uso de colores intensos que destacan la estructura geométrica y los planos de la arquitectura de las salas del museo. Mediante esta propuesta de montaje, la exposición busca resaltar la manera en que los artistas aquí representados han intentado, en ocasiones, provocar una interacción dinámica entre elementos incorporando formas geométricas al espacio y la arquitectura en donde se presentan.

Geometrías inestables celebra la diversidad de los experimentos de percepción realizados durante este periodo utilizando la geometría, representada aquí por este grupo diferente de pinturas, gráfica, esculturas y relieves de la colección permanente del Museo Tamayo.