ARTEVEN.COM Arte Contemporáneo | NUNIK SAURET - Gráfica, Pintura / México |
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| TRAYECTORIA | |||||
| 1951 Ciudad de México. | |||||
1983
Ha realizado más de 100 exposiciones individuales en México, Colombia y Panamá, entre ellas: 2008
Ha participado en más de 400 exposiciones colectivas en México, Colombia, Holanda, Puerto Rico, R.E.A., Yugoslavia, Francia, Brasil, E.U.A., España, Japón, Finlandia, Noruega, Alemania y Portugal.
2008-2006 | |||||
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| Ruta XVI, 2007 | |||||
| TEXTOS | |||||
| NUNIK SAURET | |||||
| 1. Por Raquel Tibol Fragmento del texto para la presentación de la exposición Nunik Sauret en el Museo de la Estampa, México, D.F. | |||||
El desarrollo en la obra de Nunik Sauret, desde la etapa formativa hasta la actual madurez, de una artista que, cultivando también el dibujo y la pintura, concentró en la gráfica, durante dos décadas, sus mejores energías creativas. ¿Qué circunstancias favorecieron la pronta inserción de Sauret en un lenguaje gráfico contemporáneo? Cuando ella ingresó en 1967 a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura (ENPE) el taller de grabado no funcionaba. Su inclinación por esa técnica la llevó al Molino de Santo Domingo donde Octavio Bajonero dirigía desde 1963 un taller de producción gráfica cuyo principal atractivo era la búsqueda experimental de calidades, aunada a un franco estímulo a las iniciativas individuales. En ese 1967 Carlos García Estrada e Ignacio Manrique, ambos egresados de la ENPE, pugnaban por la reapertura en esa escuela de los talleres de estampación, a la vez que integraban con otros colegas el Grupo de Nuevos Grabadores. Además, el rigor y la depuración en la práctica de una abstracción lírica y significante, con resonancias orgánicas y cósmicas, cultivada por Carlos García Estrada, habían comenzado a cautivar al medio artístico y fue una referencia ejemplar para su discípula Nunik Sauret en los renovados talleres de la ENPE. Sauret evitó en las alegorías visuales despliegues argumentales. La arquitectura de flores y frutos, trazada con precisión, delicadeza y suavidad, le ha servido para componer metáforas preñadas de insinuaciones. Su propensión a simbolizar con inconfundible carácter femenino lo femenino, a partir de cosas reconocibles de la naturaleza, la hermana con artistas como Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo o Judy Chicago. Como ellas, Sauret proclama y reafirma su desinhibición. Su obra, cada vez más depurada, más esencial, comenzó a recibir a partir de entonces una mayor descarga emotiva. A la conciencia de su propia identidad se unió un afecto cada vez más profundo por la naturaleza. Se demostró en un naturalismo no exento de fantasía. Para probarlo están las estampas de la serie Insectario. Aunque siempre será el tema de la mujer (ella y las otras, en la realidad y en el mito) el que provoque mayor número de variaciones. Puede constatarse en los trabajos de 1984. En su estilo -que lo tiene, que es reconocible y virtuoso, de una compleja simplificación- destacan las líneas delgadas, continuas, redondas, los sombreados sutiles. Para evitar alteraciones trabaja con el mismo cuidado todas las etapas: incisión, entintado, impresión. Es una de las mejores impresoras de México. Destacados grabadores han confiado a su honestidad y experiencia múltiples ediciones. Si el grabado nació estrechamente ligado a la letra para ilustrarla, Nunik Sauret continúa a su manera esa tradición filtrando en las imágenes su siempre renovada cultura literaria. También ha intentado encontrar formas equivalentes a los ritmos de la más avanzada música contemporánea. Han sido las exploraciones interdisciplinarias las que le han permitido abrir con salud espiritual los cerrojos de una excesiva subjetividad. | |||||
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| 2. Por Juan Coronel Rivera Texto para la presentación de la exposición de pintura Nunik Sauret, Las fauces de la tierra. | |||||
Hubo un espacio germinal en donde la minucia se requería para hacer una relación -todo con lujo y detalle-, una obra descriptiva, que a base de punta de plata dejaba dibujadas, diseccionadas en una interminable libreta, una suerte de álbum naturalista; todo lo que acontecía en las inmediaciones, en las del alma por supuesto. Hemerocallis fulva, Anthericum liliago o Gagea foliosa eran sólo títulos de innobleza para nombrar a las más suculentas obras de Dios. De tan perfecta factura eran estas piezas, que se antojaban los papeles sólo como hojas secantes que momificaban aquellas otras hojas secas, las plasmadas; un otoño de aguafuertes. Con el tiempo, las artes naturalistas han corrido la suerte que el destino parece haberles puesto a esta especie de obras: la mutación. Hay que recordar aquí a Piet Mondrian quien, entre 1920 y 1924, utilizó a un Chrysanthemum para encontrar, después de decantarlo, su geometría pura, su abstracción: no la flor, sino la impresión racional de la flor. Sauret no es una naturalista a la manera de Mondrian, ella es temperamento, cálida, tiene esa cuestión tropical que da este terreno. Es por eso que, para llegar a esta esencia que comienza, prefirió el expresionismo. Mondrian buscó en la síntesis, Nunik en el espíritu. Por las circunstancias plásticas que la han formado, Sauret es propiamente pintora, si bien su trabajo se ha desarrollado con más abundancia en el dibujo y el grabado, la entrega que realiza es propiamente pintura, buena pintura, lo que me ha sorprendido en este trabajo es, sobre todo, cómo ha logrado madurar un estilo propio, con un lenguaje distinto al que expuso como estilo durante veinte años. Si bien aún puede uno ver aquí y allá alguna flor, una semilla, un cuerpo, queda sólo el gesto, el impulso, el giro de la enredadera. En este quehacer uno ve repentinamente algo de informalismo abstracto de los años 60, se le encuentra cercana a Lilia Carrillo, pero sus piezas son más meticulosas, con una intención de definición que es remanente de la etapa anterior. Mientras Lilia procuraba descuidar, es decir, buscaba el accidente, Nunik ya sabe qué es lo que va a suceder en la mezcla, y es entendible, ya que el quehacer gráfico mucho tiene de química; de laboratorio científico. Todo lo que habla del cuerpo nombra el término de éste. Finalmente, estas pinturas abstractas tienen como sustento un vanitas figurativo. |
